Il noh ha origine nel XIV secolo. È un’arte scenica che si basa sulla combinazione di musica, recitazione e danza e il suo repertorio ruota attorno a classici della letteratura tradizionale. Distintivo è l’impiego di maschere estremamente espressive, realizzate dalle sapienti mani di esperti artigiani che possono impiegare fino a un anno per la realizzazione di una singola maschera. Il noh è considerato un’arte scenica estremamente raffinata e la formazione degli attori richiede un iter severo e molti anni di studio.

Il palco è essenziale, caratterizzato dall’assenza di un sipario che separi il palco dal pubblico, così come la scenografia: ogni dramma noh si svolge davanti allo oi-matsu, un pino dipinto sulla parete del palco. Sebbene le rappresentazioni teatrali noh si svolgano esclusivamente in giapponese, per i non-native sono disponibili libretti in lingua inglese che ne agevolano la comprensione. I drammi noh durano tra i 60 e i 90 minuti, e sono intervallati dai kyogen, brevi spettacoli dal carattere comico.

Alcuni tra i teatri più importanti si trovano a Tokyo; si segnala in particolare il National Noh Theatre, a Sendagaya, e il Kanze Noh Theatre, appartenente alla scuola Kanze, situato all’interno del complesso Ginza Six. Il Nagoya Noh Theatre sorge vicino al castello, mentre l’Otsuki Noh Theatre di Osaka è un importante teatro nella regione del Kansai. Kanazawa, dove il noh ha goduto anticamente del mecenatismo del locale clan Maeda, è un’altra tappa obbligata in quanto sede della scuola Kaga Hosho. Qui si trovano lo Ishikawa Prefectural Noh Theatre e il Kanazawa Noh Museum, dove, oltre a vedere da vicino maschere e costumi di scena, è possibile indossare le vesti di un attore noh.

Menzione a parte meritano le rappresentazioni all’aperto, o takigi noh, che si svolgono la sera, con il palco illuminato dalla luce del fuoco dei falò. I takigi noh si svolgono in luoghi scenici come la pineta di Miho no Matsubara, dove ogni anno va in scena la Leggenda dell’abito di piume, storia dell’incontro tra un pescatore e una creatura celeste. Il celebre santuario Itsukushima-jinja, a Miyajima, vanta l’unico palco per il noh costruito sul mare mentre ogni anno, a maggio, il tempio Kofukuji rinnova la tradizione, ormai millenaria (le prime rappresentazioni qui risalgono al IX sec.), del suo takigi noh. 

Decisamente diverso dall’austero e solenne noh è il kabuki, nato intorno all’inizio del XVI secolo. Le principali tematiche di quest’arte scenica sono gli eventi storici e vicende i cui protagonisti si trovano ad affrontare dilemmi morali. Anche il palco è antitetico rispetto a quello essenziale del noh: è dotato di piattaforme rotanti e porte nascoste che permettono agli attori di comparire e uscire di scena agilmente. Altra importante componente è lo hanamichi, una passerella che si estende tra il pubblico e che consente entrate e uscite d'impatto.

La gestualità è articolata: gli attori adottano pose plastiche (mie) per veicolare il culmine delle emozioni dei personaggi, i movimenti possono essere vigorosi ed esagerati oppure morbidi e armonici. Anche il trucco è appariscente: nel caso di personaggi femminili (intepretati dagli onnagata, attori maschi specializzati in ruoli femminili) è bianco, mentre nel caso di personaggi maschili alla base bianca si aggiugono striature rosse, blu o marroni a seconda dell'emozione e della tipologia di personaggio (eroe, malvagio antagonista, creatura soprannaturale). Componente importante è anche l'accompagnamento musicale, basato sull’impiego di strumenti tradizionali.

Il Kabuki-za di Tokyo, lo Shochiku-za di Osaka e il Minami-za di Kyoto sono alcuni dei principali teatri presso cui assistere a rappresentazioni di questa coinvolgente arte scenica.

Conosciuto anche con il nome di bunraku, il ningyo joruri è un’arte scenica nata nel XVII secolo. Diversamente da noh e kabuki, a dominare il palco qui sono i burattini, incontro perfetto tra ingegno e fine artigianato, manovrati con una maestria tale da conferire loro movenze fluide ed estremamente realistiche. Per ogni burattino sono infatti necessari fino a tre burattinai, il cui apprendistato può durare fino a vent'anni; essi sono visibili sul palco, completamente vestiti di nero e con il volto coperto, ma la loro presenza manifesta non toglie nulla alla magia di quest'arte scenica.

Cruciale è anche il ruolo del narratore, o tayu, che con la sua voce infonde vita ai dialoghi intepretando un vasto range di personaggi, maschili e femminili, giovani e anziani. La musica dello shamisen, tradizionale strumento a corde, accompagna la narrazione fungendo da complemento alla voce del narratore.

Particolarmente felice è stato, per lo sviluppo del bunraku, l'incontro tra Takemoto Gidayu (1651 – 1714), celebre tayu, e il drammaturgo Chikamatsu Monzaemon (1653 – 1725), la cui collaborazione ha dato vita a drammi in grado di riscuotere istantaneamente il favore del pubblico dell'epoca e ha consolidato lo status di quest'arte nella cultura giapponese.

A Osaka, culla del ningyo joruri, al National Bunraku Theatre gli spettacoli sono fruibili anche da un pubblico straniero grazie ad audioguide e sinossi scritte in lingua inglese.

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